25.06 > 10.09.2023 | Transcultures @ ARTour – Biennale Art contemporain et Patrimoine 2023 (Be)

Régis Cotentin - Slyder (installation audiovisuelle)

Slyder est une plongée onirique dans laquelle l’énergie des souvenirs compose avec le flux numérique. Entre songe éveillé et rêve inconscient, des chimères émergent d’entre ces deux mondes, avec le présent en point de fuite. Elles tentent prendre vie en se projetant sur l’écran mental. On croit alors à l’extraordinaire. Si aimer quelqu’un l’aide à vivre. Rêver et aimer l’enfant qu’on n’a pas eu l’amènerait-t-il à la lumière ? Le porter à l’écran lui donne-t-il une place dans le monde ?

SLYDER un espace ouvert

Autant que les arts traditionnels, les œuvres digitales s’exposent aux exigences des spectateurs qui souhaitent reconnaître dans la matière numérique, une vie, un esprit et par-delà les images, une présence, du vivant. L’historien de l’art allemand Hans Belting affirme que « nous voulons voir des corps quand nous regardons des images. […] Ce n’est que l’absence du corps », précise-t-il, « qui crée la présence propre aux images […] Il existe donc, inhérente aux images, une ambivalence entre la vie et ce qui relève en elles de leur caractère médial (qui) s’adresse à notre capacité d’animation. […] Notre part propre – la ‘représentation intérieure’ – et la leur – la ‘représentation extérieure’ – sont dans un processus d’échange réciproque qui ne se laisse pas réduire à la seule perception du réel.[1] »

En visionnant Slyder, le spectateur se projette dans une image « ouverte », pas de cadre, pas de fond, pas de commencement, pas de fin, l’espace digital œuvre dans un univers infini. N’entretenant pas de lien avec le réel, les images dans Slyder apparaissent sans limite, sans échelle et nullement contraintes par les lois optiques de la perspective et les préceptes de la mimèsis. La connivence plastique entre éléments de registres différents, voire opposés, crée un espace qui se compose à partir d’un réseau de motifs, dont l’ordonnancement s’accomplit par transparence, incrustation et hybridation. Dans ce climat de corrélations, l’espace du film et sa floraison de figures réamorcent sans fin une sorte de fugue visuelle. Les formes, qui se compénètrent, entraînent des phénomènes de polymorphisme, des enchaînements symboliques et des entrelacs allégoriques dont les qualités métamorphiques agrègent des unités signifiantes en elles-mêmes, qui laissent libre cours à l’imaginaire.

SLYDER des temps entrelacés

Le numérique, de par ses capacités illimitées dans la création d’êtres et d’objets inexistants mais vraisemblables, développe une mise en forme du vivant selon une cohérence et une logique qui lui est propre.

Les simulacres dans Slyder n’ont pour « substance » que leur propre forme. Ils figurent des corps qui n’existent pas mais qui provoquent des perceptions et des sensations. Les images du film fabriquent des évanescences n’ayant comme seul fondement temporelle la lumière dans laquelle elles exposent leur instantanéité. Au seuil de la lisibilité, celles-ci se défont sitôt surgies de la trame pixellisée, se composent et se décomposent sans cesse dans le flux des images. Mitoyennes à la fois du visible et de l’invisible, elles surgissent puis s’éclipsent dans l’obscurité de l’écran.

Le film commence par des signes inattendus puis émergent progressivement des formes évocatrices. Les images donnent naissance à une tension que notre œil tente de résoudre en présumant que quelque chose s’accomplit. L’équilibre visuel est instable mais des vibrations sonores éveillent le sentiment de participer à l’aventure temporelle des formes. De séquence en séquence, le film s’oriente progressivement vers des représentations biomorphiques. Des motifs qu’on serait tenté d’appeler des morphèmes visuels se révèlent peu à peu. À regarder de près, les lignes et les formes transparentes prêtent leurs combinaisons graphiques à l’ébauche de figures qui cherchent à fuir leur abstraction. Ce qu’on y voit rayonner, ce sont des entrelacements rythmiques de lignes qui viennent ajourer et détendre la profondeur de l’écran numérique. L’écran est transformé en un espace-temps sensible que le regard perçoit progressivement comme un univers concret. Des figures se manifestent enfin selon leurs propres temporalités, passant de la rêverie à des réminiscences dotées d’une forme et d’une signification qui se précisent en cours de composition

Régis Cotentin
Plasticien, réalisateur de films courts et créateur d’installations.

« L’univers de Régis Cotentin flirte avec Edgar Allan Poe, les frères Quay, Guy Maddin, Bunuel, Man Ray » » (Repérages) avec « des images et des dispositifs donnant à voir le souvenir et le rêve à l’œuvre » (Françoise Parfait, Vidéo, un art contemporain) « « Comme chez les grands créateurs contemporains, Boltanski, Godard ou Ferrara, chez Régis Cotentin une image n’est pas d’abord un objet plastique mais une constellation psychique. L’image toujours semble revenir de très loin. » (Nicole Brénez)

Régis Cotentin s’est produit dans plus d’une cinquantaine de festivals et de centres d’art contemporains d’Europe, d’Asie et d’Amérique du Sud depuis 2001. Ses œuvres font partie de la collection « Films & Nouveaux Médias » du Centre Georges Pompidou (Paris). Les musiques originales de ses films sont de sa propre création ou produites par des musiciens de la scène électronique internationale : DJ Olive (USA, New York), Pierre Bastien (France, NL, Rotterdam), Philip Jeck (UK, Liverpool), Scanner (UK, Londres), David Shea (Australie, Melbourne), Paradise Now (Belgique, Bruxelles).

Régis Cotentin est aussi historien d’art et commissaire d’exposition, responsable de l’art contemporain au Palais des Beaux-Arts de Lille, France.

Kika Nicolela - Digital Dreams - sélection NFT

Société i Matériel | Pol Pipoling Project

] P P P [ – XR Bury (Pol Pipoling Project) rend hommage à l’inventivité́ de Pol Bury, ce créateur pluridisciplinaire et visionnaire (du surréalisme au cinétisme) et met en évidence des œuvres et lieux emblématiques de son implantation sur le territoire louviérois.

Il permet de relier plusieurs lieux du centre-ville, du 27 avril au 14 mai, de manière ludique et poétique. ] P P P [ réaffirme autant l’importance du lien entre Pol Bury et sa ville natale que l’inventivité et l’exigence de cet artiste à s’emparer des outils technologiques questionnant une nécessaire actualité de l’Art et  son engagement dans le quotidien.

Cette réalité augmentée sera accessible dans la ville via des affiches en Noir et Blanc ] P P P [ et ] . . . [ qui permettront à toute personne munie d’un téléphone portable de découvrir une interprétation artistique libre, visuelle et sonore, de certaines œuvres sélectionnées de Pol Bury, spatialisées à 360°.

• Transcultures, CiTu – Paragraphe de l’Université Paris 8, Pépinières Européennes de Création
• Dans le cadre du Centenaire de Pol Bury – Avec le soutien de la Ville de La Louvière, de la Loterie Nationale.
• En partenariat avec CY Cergy Paris Université, l’Institu Acte, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, Europia, Maison des associations – La Louvière

La Société i Matériel : Marc Veyrat – conception / images, Gaëtan Le Coarer / conception & images, Jonathan Juste ): conception / programmation, Paradise Now – création poétique et sonore

Tommy Lawson - D’un monde (sONore) à l’autre

Parcours géolocalisé sonore dans La Louvière.

Notre environnement sonore peut être considéré comme un flux de sensations, d’informations produites par diverses activités et circulations, notamment humaines. Ces flux peuvent être captés, enregistrés, analysés, et constituer le matériau d’une création artistique. De manière continue les espaces et les sons entrent en résonnance. Ils génèrent entre eux une interactivité qui façonne des paysages. Voyons-nous et écoutons-nous ces paysages ? Et comment parvenir à les révéler, à sonder leurs différentes dimensions, à comprendre les processus qui les constituent ?

Il s’agit d’appréhender le territoire, le monde environnant quotidien, d’une manière différente, en mobilisant et en aiguisant le sens de l’écoute, afin de générer par un processus de phénoménologie sonore des représentations inédites qui révèlent de nouveaux paysages, d’une richesse et d’une vérité insoupçonnées.

A partir de fragments sonores enregistrés in situ, l’artiste sonore et sound designer Tommy Lawson agence des mini-récits, ou plutôt des « cartes postales » sonores, dont l’écoute augmentée au casque révèle la grande musicalité et la dimension paysagère.

Télécharger la marche à suivre
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• Résidence de création – La Louvière. Une coproduction Transcultures, Pépinières
• européennes de Création / ARTour – Central. En partenariat avec City Sonic 20 ans.

Tommy Lawson

Artiste sonore, sound designer, performeur numérique. Il est aussi producteur et curateur d’évènements pour la promotion des musiques électroniques. Il développe des projets mêlant musique électronique et électroacoustique. Profondément attaché à l’idée de transversalité entre les arts, il réalise de nombreuses musiques et bandes sons en collaboration avec les arts plastiques, le vidéo-art et la danse contemporaine. Il développe en collaboration avec Armand Lesecq des outils de créations audio numériques et la lutherie informatique dans le domaine de la spatialisation sonore. Il réalise régulièrement des balades sonores géolocalisées en direction des publics afin de  leur permettre de vivre une expérience sonore augmentée en lien avec le patrimoine intangible d’un territoire. Il est à l’initiative des premiers mapping vidéo réalisés en Corse avec le collectif tunisien Design Lab à l’occasion de la réouverture du musée de Bastia en 2009 d’une série de mapping vidéo dans le cadre des journées européennes du patrimoine.

En 2008, il crée Zone Libre, structure de création, production et de diffusion au travers laquelle il organise le Festival des arts sonores éponyme depuis 2019, entre art, science et nouvelles technologies. Cette manifestation de soutien à la création met l’accent sur le développement d’expériences transdisciplinaires et hypermédia inscrites dans le domaine sonore et des arts visuels.

zonelibres.com