13 > 28.11.2026 | Exposition « My Prince Charming » + Prurit & Schreï Lilith + Entrelacs | Couvent d’Hautrage (Be)

L’installation met en scène sept figures de saintes en papier mâché, réalisées à taille humaine et animées par un dispositif mécanique rotatif conçu à partir de matériaux de récupération. Présentées dans un théâtre en carton aux références baroques et néoclassiques, elles évoluent dans une scénographie associant néons roses, boule à facettes et chansons disco interprétées par des voix féminines. Parmi ces figures se trouvent notamment sainte Agathe et sainte Lucie, dont les légendes évoquent les violences subies par des femmes ayant refusé de se soumettre à des injonctions masculines, ainsi que sainte Aurélie et sainte Nathalie, qui renvoient aux prénoms des deux artistes.

Le projet comprend également Le Lupanar, un dispositif de distribution automatique d’objets dérivés à l’effigie des saintes : bougies, reliques, vêtements et autres accessoires. Inspirée des pratiques de dévotion populaire et du commerce d’objets religieux, cette partie de l’installation explore les relations entre sacré, culture marchande et consommation.

Développé notamment lors de résidences au Couvent d’Hautrage, *My Prince Charming* intègre des matériaux et des textiles récupérés sur place, ainsi qu’un travail de confection réalisé en collaboration avec des couturières locales. Le projet s’accompagne également d’une recherche autour des archives du couvent, destinée à nourrir une publication croisant récits de saintes, mémoires des religieuses et expérience de création.

Maladita est un duo d’artistes formé par Aurélie Bay et Nathalie Hannecart, plasticiennes et photographes basées en Belgique. Issues respectivement des Académies des Beaux-Arts de Charleroi et de Namur, elles cultivent une pratique hybride mêlant photographie, dessin, vidéo, installation et édition d’artistes.

Depuis plus de six ans, elles développent ensemble un travail à quatre mains, à la fois engagé, ironique et profondément ancré dans une relecture critique du féminin, des récits religieux et des mythes populaires. Leurs œuvres convoquent aussi bien l’autoportrait, la dérision et la mise en scène que des matériaux pauvres et symboliques.

Elles ont exposé en Belgique et à l’international (France, Espagne, Portugal, Brésil, Chili…) et figurent dans plusieurs collections publiques, notamment au Musée de la Photographie de Charleroi et à l’Artothèque des Chiroux à Liège. En 2023, elles reçoivent le prix « 4 mains et plus si affinité » de la galerie Vertige (Bruxelles) et, en 2024, leur livre Pedro est sélectionné pour le Prix du livre d’auteur aux Rencontres photographiques d’Arles.

instagram.com/maladita______________________

Artiste plasticienne belge née en 1981, basée à Bruxelles. Formée à la photographie, à la sculpture, au dessin et à la vidéo aux Académies des Beaux-Arts de Charleroi et de Molenbeek-Saint-Jean, elle développe une pratique transdisciplinaire, intimement liée à la liberté, au corps et au traumatisme sous toutes ses formes.

Sous l’alter ego Maladita, elle interroge avec mordant les constructions sociales du féminin, les récits de martyres, les lignées invisibles et les dispositifs de pouvoir. À travers des installations mêlant matériaux pauvres, imagerie baroque, objets de dévotion détournés et musique pop, elle met en scène des figures hybrides, grotesques ou sacrées, qui oscillent entre vulnérabilité et résistance.

Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions en Belgique et à l’international (France, Espagne, Croatie, Canada, Portugal…), ainsi que dans des centres d’art tels que Le Vecteur, Exit11 ou La Châtaigneraie. Elle est également coautrice de plusieurs microéditions et fanzines, et a été sélectionnée au Prix de la Jeune Sculpture (2020) et au Prix du livre d’auteur aux Rencontres d’Arles (sélection 2024).

aureliebay.com

Photographe belge basée à Namur, où elle vit et travaille. Après une formation initiale en philologie romane à l’UCL (1998–2003), elle s’oriente vers la photographie et obtient son diplôme à l’Académie des Beaux-Arts de Namur (2010–2019).

Son travail en photographie argentique et en procédés alternatifs (cyanotype, photogrammes) explore les traces, les palimpsestes et l’empreinte du temps dans les environnements urbains et industriels. À travers l’appareil, elle scrute les murs, s’intéressant à ce qui sourd sous la matière et à la relation entre présence et absence.

En 2015, elle co-fonde l’Atelier 22 à l’Université de Namur, un laboratoire de photographie argentique dédié aux pratiques analogiques et à la transmission, qu’elle coordonne toujours aujourd’hui.

Elle a présenté plusieurs expositions personnelles, notamment « Orfeo » au Brésil (2024) ou « La nuit remue » au Delta à Namur (2021), et participe régulièrement à des expositions collectives en Belgique et à l’international (Espagne, Croatie, Chili, Portugal, Canada…). Son travail figure dans plusieurs collections publiques, notamment à l’Arthotèque de Liège et à Émulation (Liège).

Elle développe également une pratique collaborative au sein du collectif Aspëkt et du duo Maladita, mêlant photographie, dessin, vidéo, installation et microédition.

nathaliehannecart.be

Née en 2000 et basée à Mons, Angèle Verbeeren est plasticienne et marionnettiste. Formée à la sculpture, à l’électronique et aux arts de la marionnette à Arts² (Mons – entre 2021 et 2026), elle développe une pratique artistique à la croisée de ces disciplines, explorant notamment les relations entre électronique, installation et scénographie.

Elle développe un art nourri de réflexions contestataires qui questionnent une société pleine de violence et en marge des réalités, sous une forme ludique et aux limites des codes des arts vivants. Elle traite notamment de la marginalité en passant par les codes et les mythes de l’enfance.

Elle explore les possibilités de transformer les matières dans une logique de récupération. Loin des critères établis de l’art contemporain, elle tente de s’approprier les ressources les plus proches d’elle : du moteur de machine à laver aux tissus trouvés sur les lieux qu’elle investit.

Pour cette sortie de résidence, le duo présentera le projet sous forme de performance

Entrelacs se construit à partir de fragments du réel collectés par les deux artistes : images, sons, traces et matières issus de lieux ordinaires et d’espaces de passage. Chloé Besnard constitue des bibliothèques visuelles à partir de gestes, textures, lumières et empreintes, tandis que Nicolas Delfosse capte les signatures acoustiques des lieux pour les transformer en compositions électroacoustiques.

Ces matériaux alimentent une installation générative dans laquelle le visiteur intervient par un geste volontairement simple : choisir un bocal contenant une matière collectée et le déposer sur une borne. Ce geste déclenche une capsule audiovisuelle produite en temps réel. Les compositions sonores agissent sur l’image, ses couleurs, son rythme et son montage, selon un ensemble de règles et de variations qui rendent chaque activation singulière.

L’installation ne cherche ainsi pas à restituer ou documenter les lieux dont proviennent les matériaux. Elle en propose une transposition sensible et mémorielle. Le dispositif crée les conditions d’une expérience où des éléments à la fois familiers et transformés peuvent entrer en résonance avec la mémoire propre du visiteur. Entrelacs se développe comme un écosystème évolutif, appelé à s’enrichir au fil des territoires, des collectes et des résidences.

Née en 1993 à Lille, Chloé Besnard vit et travaille à Roubaix. Diplômée d’un BTS Photographie puis d’une licence en arts visuels à l’École Supérieure des Arts de Tournai, elle développe une pratique pluridisciplinaire mêlant photographie, installation, vidéo, peinture et céramique.

Son travail s’intéresse notamment aux normes sociales, aux mécanismes d’invisibilisation et aux traces laissées par les corps et les usages. Ses projets se construisent dans le temps long, entre collecte, témoignage et expérimentation plastique. Elle mène également une recherche autour de matières ordinaires ou résiduelles, notamment le marc de café, qu’elle utilise comme pigment et matériau dans des peintures, céramiques, bioplastiques et installations. Parmi ses projets figurent notamment ANNA, Wake Up, Les Cons et RESPiRE.

chloebesnard.com

Designer sonore et artiste électroacoustique, Nicolas Delfosse vit et travaille à Roubaix. Autodidacte issu de la culture des musiques électroniques et du traitement du signal en temps réel, il développe une pratique transdisciplinaire située entre musique expérimentale, installation plastique et création numérique.

Ses créations placent l’écoute, l’interaction et le partage au cœur du processus artistique, à travers des performances, des dispositifs génératifs et des projets participatifs. Après avoir dirigé pendant sept ans l’antenne Nord d’Emaho, association consacrée aux arts numériques, il cofonde en 2021 Otium, structure dédiée à la médiation des pratiques sonores expérimentales, puis initie en 2023 le projet SFEER avec Olivier D’Hooghe. Parmi ses réalisations figurent les installations SHED et NEST, ainsi que Métamorphose du Quotidien et le projet participatif Fabrique Ton Concert.

Pour cet événement, le duo présentera une première version performative avant une sortie de résidence prévue le 25 octobre dans le cadre du Warm Club.

Prurit développe des improvisations sonores à partir d’instruments DIY, low tech et low cost, sur lesquelles Schreï Lilith déploie une performance vocale faite de cris, de scansions, de murmures et de textes à la frontière du slogan et de la chanson française.

À rebours d’un environnement de création largement dominé par l’ordinateur, le projet revendique une approche rétro-technologique fondée sur la fabrication d’objets sonores accessibles, conçus à partir de dispositifs électroniques simples et de matériaux recyclés.

Ces textures bruitistes servent de support à une présence vocale directe, où se mêlent invectives, harangues, fragments de récits et formes d’expression militante. L’ensemble compose une proposition performative qui articule expérimentation sonore, bricolage technologique et engagement critique.

Schreï Lilith développe un univers performatif à la croisée du punk, de la noise et des expressions féministes contemporaines. Son travail puise notamment dans l’énergie de formations comme Pussy Riot et Les Vaginites, ainsi que dans une scène noise internationale mise en visibilité par des plateformes telles que Women of Noise, tout en conservant un lien affirmé avec la création francophone et ses formes d’expression militantes.

Son identité visuelle participe pleinement de cette démarche. La cagoule qu’elle porte fait notamment référence à l’imaginaire développé par Pussy Riot et doit progressivement intégrer des motifs floraux brodés en hommage à l’univers graphique et militant d’Oksana Chatchko, cofondatrice de Femen. Le costume devient ainsi un élément à part entière de la performance, interrogeant les normes liées au corps, à l’apparence et à la manière dont les femmes peuvent choisir de se représenter, indépendamment de leur âge, de leur morphologie, de leur origine ou de leur culture.

Le nom Lilith renvoie à une figure issue de traditions et récits juifs médiévaux, dans lesquels elle apparaît comme une première compagne d’Adam, créée comme lui à partir de la terre et refusant une relation fondée sur la soumission. Progressivement transformée en figure démoniaque dans différentes traditions, Lilith a été réinterprétée à l’époque contemporaine comme une figure d’émancipation et de résistance aux rapports de domination patriarcaux.

Schreï Lilith mobilise cette dimension symbolique dans une pratique où se rencontrent performance vocale, esthétique punk, culture DIY et questionnement des représentations féminines.

Après avoir développé ses premières expérimentations auprès d’artistes sonores comme Xavier Gazon ou Alain Wergifosse, Prurit développe progressivement ses propres instruments et dispositifs sonores DIY.

Sa pratique repose sur des configurations volontairement instables, dans lesquelles l’agencement et les connexions entre les différents appareils évoluent d’une performance à l’autre. Les signaux produits ne sont ainsi jamais totalement reproductibles. Textures, feedbacks, accidents électroniques et motifs aléatoires sont générés et organisés en direct, dans une démarche d’expérimentation autour des dimensions physiques et sensorielles du bruit.

Ses performances font appel à un ensemble d’instruments low tech et d’électronique détournée : jouets modifiés selon les techniques du circuit bending, lecteurs de cassettes transformés, microphones de contact, générateur de signaux Arduino, bandes audio, distorsions et filtres. Erreurs, instabilités et aberrations électroniques ne sont pas corrigées mais intégrées au processus de création et deviennent une matière sonore à part entière.

Diplômé d’un Master en Intelligence artificielle et en Transferts de Savoirs et Nouvelles Technologies, Philippe Baraduc est auteur et interprète de spectacles scientifiques jeune public et familial (depuis 2009). Il crée des projets pour rendre les concepts scientifiques concrets et vivants et transmettre le plaisir de la découverte. Avec Prurit, il explore un versant plus expérimental de sa pratique, à la croisée du son, du bricolage électronique et de l’improvisation. Depuis 2026, il a également lancé avec les Transcultures les rencontres Warm Club.